CINEMA-SCOPE

1. Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas (Apichatpong Weerasethakul)
2. A Autobiografia de Nicolae Ceausescu (Andrei Ujica)
3. Mistérios de Lisboa (Raul Ruiz)
4. Filme Socialismo (Jean-Luc Godard)
5. Winter Vacation (Li Hongqi)
6. O Estranho Caso de Angélica (Manoel de Oliveira)
7. Memórias de Xangai (Jia Zhang-Ke)
8. Meek’s Cutoff (Kelly Reichardt)
9. Attenberg (Athina Rachel Tsngari)
10. O Escritor Fantasma (Roman Polanski)

Dez Menções Honrosas

. Aurora (Cristi Puiu)
. Carlos (Olivier Assayas)
. Cópia Fiel (Abbas Kiarostami)
. Cold Weather (Aaron Katz)
. Curling (Denis Côté)
. Homens e Deuses (Xavier Beauvois)
. As Quatro Voltas (Michelangelo Frammartino)
. El Sicario Room 164 (Gianfranco Rosi)
. A Rede Social (David Fincher)
. Incontrolável (Tony Scott)

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Abaixo, duas listas dos filmes mais vistos em 2010 em dois dos principais sites de streaming :

MUBI

1. Alice no País das Maravilhas (1903) (Cecil Hepworth e Percy Stow)
2. The Housemaid (Ki-Young Kim)
3. Dry Summer (Susuz Yaz)
4. Fat Girl (Catherine Breillat)
5. Os Olhos Sem Rosto (Georges Franju)
6. Climates (Nuri Bilge Ceylan)
7. Some Days Are Better Than Others (Matt McCormick)
8. Betty Blue (Jean-Jacques Beineix)
9. Touki Bouki (Djibril Diop Mambéty)
10. Irmãs Diabólicas (Brian de Palma)

FANDOR

1. Anjos Caídos (Wong Kar-Wai)
2. Winnebago Man (Ben Steinbauer)
3. Death in the Garden (Luis Buñuel)
4. In Between Days (So Yong Kim)
5. The Little Girl Who Sold the Sun (Djibril Diop Mambéty)
6. Violência Gratuita (Michael Haneke)
7. O Espelho (Andrei Tarkovsky)
8. O Grito (Michelangelo Antonioni)
9. Surviving Desire (Hal Hartley)
10. A Última Gargalhada (F.W. Murnau)

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UNCUT


50. Kings of Leon – Come Around Sundown
49. Ólöf Arnalds – Innundir Skinni
48. Zola Jesus – Stridulum II
47. Solar Bears – She Was Coloured In
46. Sleigh Bells – Treats
45. Toro Y Moi – Causers of This
44. Hot Chip – One Life Stand
43. Janelle Monáe – The ArchAndroid
42. Blitzen Trapper – Destroyer Of The Void
41. Steve Mason – Boys Outside
40. Trembling Bells – Abandoned Love
39. Yeasayer – Odd Blood
38. Robert Wyatt, Gilad Atzmon & Ros Stephen – For The Ghosts Within
37. Corinne Bailey Rae – The Sea
36. The Hold Steady – Heaven is Whenever
35. Rory Erickson & Okkervil River – True Love Cast Out All Evil
34. Dylan Leblanc – Pauper’s Field
33. Edwyn Collins – Losing Sleep
32. The Duke & The King – Long Live The Duke & The King
31. RIchard Thompson – Dream Attic
30. Flying Lotus – Cosmogramma
29. Afrocubism – Afrocubism
28. The Black Keys – Brothers
27. Voice of The Seven Thunders – Voice of The Seven Thunders
26. Los Lobos – Tin Can Trust
25. Gayngs – Relayted
24. Alasdair Roberts – Too Long In This Condition
23. Teenage Fanclub – Shadows
22. Spoon – Transference
21. Tennessee And Other Stories
20. Oneohtrix Point Never – Returnal
19. Manic Street Preachers – Postcards From A Young Man
18. Gorillaz – Plastic Beach
17. The Fall – Your Future Our Clutter
16. Gil Scott-Heron – I’m New Here
15. Field Music – Field Music
14. The National – High Violet
13. Vampire Weekend – Contra
12. These New Puritans – Hidden
11. Drive-By Truckers – The Big To-Do
10. Grinderman – Grinderman II
09. LCD Soundsystem – This is Happening
08. Ali Farka Touré & Toumani Diabate – Ali & Toumani
07. John Grant – Queen Of Denmark
06. Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Before Today
05. Robert Plant – Band of Joy
04. Arcade Fire – The Suburbs
03. Paul Weller – Wake Up The Nation
02. Neil Young – Le Noise
01. Joanna Newsom – Have One On Me

. Relançamentos do Ano

30. Peter Walker – Rainy Day Raga
29. Wooden Shjips – Vol. Two
28. The Fall – The Wonderful and Frightening World of The Fall
27. Syl Johnson – COmplete Mythology
26. John Lennon – Double Fantasy : Stripped Down
25. Propaganda – A Secret Wish
24. Jimi Hendrix – West Coast Seattle Boy
23. The Teardrop Explodes – Kilimanjaro
22. Iggy Pop & James Williamson – Kill City
21. Jim Sullivan – UFO
20. The Incredible String Band – The Hangman’s Beautiful Daughter
19. Bruce Springsteen – The Promise : The Darkness On The Edge Of Town Story
18. Nick Cave & The Bad Seeds – Tender Prey
17. Kris Kristofferson – Please Don’t Tell Me How The Story Ends : The Publishing Demos 1968-72
16. The Beatles – 1962-1966
15. Dion – Wonder Where I’m Bound
14. Dexys Midnight Runners – Searching For The Young Soul Rebels 30th Anniversary Edition
13. Miles Davis – Bitches Brew 40th Anniversary Box Set
12. Sandy Denny – Sandy Denny
11. Various Artists – Cold Wave & Minimal Electronics Vol 1
10. Orange Juice – Coals To Newcastle
09. Neu! – Neu! Vinyl Box
08. Various Artists – Elektronische Musik : Experimental German ROck And Electronic Musik 1972-83
07. Bob Dylan – The Bootleg Series Vol 9 : The Witmark Demos 1962-1964
06. REM – Fables Of The Reconstruction
05. The Cure – Disintegration
04. Pavement – Quarantine The Past
03. Iggy And The Stooges – Raw Power
02. The Rolling Stones – Exile On Main St
01. David Bowie – Station To Station

A revista Inglesa ainda elegeu Paul Weller como “Artista do Ano” e fez uma lista de 20 melhores filmes, a qual não publicarei em respeito a nossas retinas.

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SIGHT AND SOUND

1. A Rede Social (David Fincher)
2. Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas (Apichatpong Weerasethakul)
3. Another Year (Mike Leigh)
4. Carlos (Olivier Assayas)
5. The Arbor (Clio Barnard)
6. Io Sono L’Amore (Luca Guadagnino)
6. Inverno da Alma (Debra Granik)
8. A Autobiografia de Nicolae Ceausescu (Andrei Ujica)
8. Filme Socialismo (Jean-Luc Godard)
8. Nostalgia da Luz  (Patricio Guzmán)
8. Poesia (Lee Chang-Dong)
8. O Profeta (Jacques Audiard)
13. Cópia Fiel (Abbas Kiarostami)
13. Meek’s Cutoff (Kelly Reichardt)
15. Dente Canino (Giorgos Lanthimos)
15. Enter The Void (Gaspar Noé)
15. Mistérios de Lisboa (Raoul Ruiz)
15. Homens e Deuses (Xavier Beauvois)
19. Aurora (Cristi Puiu)
19. Exit Through the Gift Shop (Banksy)
19. As Quatro Voltas (Michelangelo Frammartino)
19. O Escritor Fantasma (Roman Polanski)
19. Over Your Cities Grass Will Grow (Sophie Fiennes)

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LES INROCKS


1. Mistérios de Lisboa (Raoul Ruiz)
2. Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas (Apichatpong Weerasethakul)
3. O Escritor Fantasma (Roman Polanski)
4. Filme Socialismo (Jean-Luc Godard)
5. Morrer Como Um Homem (João Pedro Rodrigues)
6. Vício Frenético (Werner Herzog)
7. A Rede Social (David Fincher)
8. Polícia, Adjetivo (Corneliu Porumboiu)
9. La Vie au Ranch (Sophie Letourneur)
10. Sexy Dance 3 (John Chu)
11. Kaboom (Gregg Araki)
12. Carlos (Olivier Assayas)
13. Você Vai Conhecer o Homem de Seus Sonhos (Woody Allen)
14. O Fantástico Sr Raposo (Wes Anderson)
15. Brilho de Uma Paixão (Jane Campion)
16. Like You Know It All (Hong Sang-Soo)
17. Amores Imaginários (Xavier Dolan)
18. Homme Au Bain (Christophe Honoré)
19. Turnê (Mathieu Amalric)
20. White Material (Claire Denis)

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CHRONICART

1. Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas (Apichatpong Weerasethakul)
2. Toy Story 3 (Lee Unkrich)
3. Vício Frenético (Werner Herzog)
4. A Rede Social (David Fincher)
5. Um Homem Sério (Joel e Ethan Coen)
6. Kaboom (Gregg Araki)
7. Incontrolável (Tony Scott)
8. O Escritor Fantasma (Roman Polanski)
9. La Vie Au Ranch (Sophie Letourneur)
10. Mother (Bong Joon-Ho)

Fechando os posts de listas alheias, alguns tops individuais de colaboradores da Sight & Sound e Film Comment.

SIGHT & SOUND (individuais)

.Barbara Wurm
Kosmos (Reha Erdem), Minha Felicidade, Aurora, Hitparkut (Nina Menkes), Guest (José Luis Guerín)

.Brad Stevens
Road To Nowhere (Monte Hellman), Im Alter von Ellen (Pia Marais), Napoli Napoli Napoli e Mulberry St. (Abel Ferrara), Dharma Guns (F.J. Ossang), Survival Of The Dead (George A. Romero)

.Tony Rayns
End of Animal (Jo Seung-hee), The Home of Stars (Jung Yoon-Suk), Memórias de Xangai, A Rede Social, Thomas Mao (Zhu Wen)

.Charlotte Garson
Vênus Negra, La Vie au Ranch, Post Mortem (Pablo Larraín), A Rede Social, Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas

.The Ferroni Brigade (Christoph Huber & Olaf Möller)
Final Flesh (Vernon Chatman), Ödipus Monument Test 01 (Norbert Pfaffenbichler), Durs Grünbein Liest Die Dritte Satire des Juvenal (Klaus Wyborny), Homens e Deuses, Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme, Oca (Vlado Skafar), Vapor Trail (John Gianvito)

.Michael Ciment
A Vala, Poesia, Silent Souls (Aleksei Fedorchenko), Homens e Deuses, Mistérios de Lisboa

.Nicole Brenez
Dystopia Files (Mark Tribe), Filme Socialismo, The End of the World Starts With One Lie – First Part (Lech Kowalski), X+ (Marylène Negro)

.Geoff Andrew
Aurora, Cópia Fiel, Nostalgia da Luz, Homens e Deuses, Poesia, Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas, Aita (José María de Orbe), As Quatro Voltas

.Chris Fujiwara
Condolences (Ying Liang), Rosalinda (Matías Piñeiro), O Estranho Caso de Angélica, Toujours Moins (Luc Moullet), Festival (Jean-Claude Rousseau)

FILM COMMENT (individuais)

.Nic Rapold
Boxing Gym, Carlos, Singularidades de uma Rapariga Loura, The Oath, Oki’s Movie (Hong Sang-Soo), The Robber (Benjamin Heisenberg), Ruhr (James Benning), Ilha do Medo (Martin Scorsese), A Rede Social, Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas

.Kent Jones
1. Carlos e A Rede Social
2. A Autobiografia de Nicolae Ceausescu e Boxig Gym
3. Another Year, Aurora, Filme Socialismo, A Ilha do Medo, Bravura Indômita (Coens) e Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas

.Scott Foundas
1. A Rede Social 2. Aquele Querido Mês de Agosto (Miguel Gomes) 3. Toy Story 3 4. O Estranho Caso de Angélica 5. Carlos 6. Greenberg (Noah Baumbach) 7. Traga-me Alecrim (Josh e Benny Safdie) 8. A Origem (Christopher Nolan) 9. Todos os Outros  10. O Escritor Fantasma

.Thom Andersen
1. O Somma Luce (Jean-Marie Straub) 2. May Tomorrow Shine The Brightest of All Your Many Days As It Will Be Your Last (Ben Rivers, Paul Harnden) 3. Winter Vacation (Han Jia) 4. A Autobiografia de Nicolae Ceausescu 5. Memórias de Xangai  6. Um Homem Que Grita (Mahamat-Saleh Haroun) 7. Foreign Parts (Verena Paravel, JP Sniadecki) 8. Studies for the Decay of the West (Klaus Wyborny) 9. The Agony and the Ecstasy of Phil Spector (Vikram Jayanti) 10. Boxing Gym

.Frédéric Bonnaud
1. Filme Socialismo 2. Mistérios de Lisboa 3. O Escritor Fantasma 4. A Rede Social 5. Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas 6. Carlos 7. Turnê (Mathieu Amalric) 8. Deep in the Woods (Benoît Jacquot) 9. La Vie au Ranch 10. Um Homem Misterioso (Anton Corbijn)

.Joumane Chahine
1. Homens e Deuses 2. O Estranho Caso de Angélica 3. A Rede Social 4. Zona Verde (Paul Greengrass) 5. Minha Felicidade 6. White Material 7. Potiche (François Ozon) 8. Um Lugar Qualquer (Sofia Coppola) 9. Lourdes (Jessica Hausner) 10. Machete

.Andrew Chan
1. Ervas Daninhas (Alain Resnais) 2. Alamar 3. Mother 4. O Profeta (Jacques Audiard) 5. Io Sono L’Amore 6. Toy Story 3 7. Barba Azul (Catherine Breillat) 8. A Vida Durante a Guerra (Todd Solondz) 9. Please Give (Nicole Holofcener) 10. A Origem

.Jonnathan Rosenbaum
Carlos, Cópia Fiel, Chef-D’Oeuvre? (Luc Moullet), Dave Brubeck : In His Own Sweet Way (Bruce Ricker), Filme Socialismo, The Forgotten Space (Allan Sekula, Noël Burch), Paper Soldier (Aleksei German Jr), Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas, Vapor Trail, Ervas Daninhas

.Paul Schrader
1. A Rede Social 2. Carlos 3. O Golpista do Ano 4. Fair Game (Doug Liman) 5. O Segredo dos Seus Olhos 6. Atração Perigosa (Ben Affleck) 7. O Escritor Fantasma 8. Tiny Furniture (Lena Dunham) 9. O Inverno da Alma 10. Enter the Void

.Amy Taubin
1. A Rede Social 2. Filme Socialismo 3. And Everything is Going Fine (Steven Soderbergh) 4. Persecution (Patrice Chéreau) 5.O Estranho Caso de Angélica 6. Inside Job 7. Another Year 8. Prólogo ao episódio de Simpsons “MoneyBART” (Banksy) 9. Ruhr 10. Wah Do Bem (Ben Chance & Sam Fleischner)

Pra quem quiser ver outras listas individuais, a Indiewire publicou as de seus colaboradores AQUI .

Listas de melhores do ano, se não levadas a ferro e fogo, são interessantes para sintetizar o que aconteceu (ou não) nos 365 dias que as compreendem. Do confrontamento de compilações de diferentes veículos, talvez consigamos chegar próximo a um norteamento (ao menos uma discussão) quanto ao que se passou em 2010. Assim sendo, nos próximos dias, sempre no mesmo post, serão adicionadas listas de filmes e discos, referentes a algumas das principais publicações planetárias.

MOJO


50. Matthew Dear – Black City
49. Ali Farka Touré & Toumani Diabaté – In The Heart Of The Moon
48. John Legend & The Roots – Wake Up !
47. Jane Weaver & Septième Soeur – The Fallen By Watch Bird
46. Peter Gabriel – Scratch My Back
45. Rory Erickson with Okkervil River – True Love Cast Out All Evil
44. Swans – My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky
43. The Besnard Lakes – Are The Roaring Night
42. Kelley Stoltz – To Dreamers
41. Tom Jones – Praise & Blame
40. Eli Paperboy Reed – Come And Get It !
39. Wyatt, Atzmon, Stephens – For The Ghosts Within
38. Gonjasufi – A Sufi and a Killer
37. Teenage Fanclub – Shadows
36. LCD Soundsystem – This is Happening
35. M.I.A – ˆˆˆYˆ
34. Villagers – Becoming A Jackal
33. The Roots – How I Got Over
32. Robert Plant – Band of Joy
31. Neil Young – Le Noise
30. Janelle Monae – The Archandroid
29. Gil Scott-Heron – I’m New Here
28. Danger Mouse & Sparklehorse – Dark Night Of the Soul
27. Field Music – Field Music
26. Gorillaz – Plastic Beach
25. Foals – Total Life Forever
24. The Jim Jones Revue – Burning Your House Down
23. Sharon Jones & The Dap-Kings – I Learned The Hard Way
22. Sam Amidon – I See The Sign
21. Isobel Campbell & Mark Lanegan – Hawk
20. Grinderman – Grinderman 2
19. Rumer – Seasons Of My Soul
18. Caribou – Swim
17. Roots Manuva Meets Wrongtom – Duppy Writer
16. Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Before Today
15. Avi Buffalo – Avi Buffalo
14. Manic Street Preachers – Postcards From a Young Man
13. Joanna Newsom – Have One on Me
12. Mavis Staples – You Are Not Alone
11. Deerhunter – Halcyon Digest
10. Doug Paisley – Constant Companion
09. The Coral – Butterfly House
08. Phosphorescent – Here’s to Taking It Easy
07. Midlake – The Courage Of Others
06. Paul Weller – Wake Up The Nation
05. The Black Keys – Brothers
04. Edwyn Collins – Losing Sleep
03. MGMT – Congratulations
02. Arcade Fire – The Suburbs
01. John Grant – Queen of Denmark

Além da categoria “principal”, a revista inglesa ainda compilou listas menores (10 discos) entre as categorias Jazz, Reggae Reissues, Soundtracks, Blues, Folk, Electronica, Americana, World e Underground, bem como os seguintes prêmios individuais :

. Música do Ano = “Tightrope”, Janelle Monae

. Livro do Ano = “Electric Eden”, Rob Young

. DVD Do Ano = “It Might Get Loud”

. Retorno do Ano = Edwyn Collins

Relançamentos do Ano :

20. Various – Alan Lomax in Haiti
19. Lughtnin’ Hopkins – His Blues
18. Kenny Graham And His Satellites – Moondog Suite
17. Charanjit Singh – Ten Ragas To a Disco Beat
16. Galaxie 500 – On Fire : Deluxe Edition
15. Sandy Denny – Sandy Denny
14. Neu ! – Box
13. Bob Dylan – The Mono Box
12. Kris Kristofferson – Please Don’t Tell Me How The Story Ends; The Publishing Demos 1968-72
11. David Bowie – Station to Station
10. Various – Theme Time Radio Hour : Season 3
09. REM – Fables Of The Reconstruction
08. The Teardrop Explodes – Kilimanjaro : Deluxe Edition
07. Robert Wyatt – His Greatest Misses
06. Bob Dylan – The Bootleg Series Volume 9 : The Witmark Demos
05. Miles Davis – Bitches Brew : Collectors’ Edition
04. Iggy And The Stooges – Raw Power : Legacy Edition
03. Jimi Hendrix – West Coast Seattle Boy
02. The Rolling Stones – Exile on Main St : Deluxe Edition
01. Bruce Springsteen – The Promise

A revista também perguntou a alguns músicos o que de melhor estes ouviram em 2010. Algumas respostas pinçadas :

.Corinne Bailey Rae : Patti Smith, Elis Regina & Antonio Carlos Jobim – Elis & Tom, Martina Topley Bird – Some Place Simple, Gillian Welch – Time

. James Dean Bradfield (Manic Street Preachers) : Deerhunter – Halcyon Digest, Villagers – Becoming a Jackal, The World Ends : Afro Rock and Psychedelia In 1970′s Nigeria

. Johny Marr : Mina – Se Telefonando, Yuck – Yuck , Chad VanGaalen – Soft Airplane

. Colin Greenwood (Radiohead) : Four Tet – There is Love in You, Pastor TL Barrett and The Youth For Christ Choir – Like a Ship… (Without a Soul), Sibylle Baier – Colour Green, Nathan Fake – You Are Here

. Brian Eno : Anna Calvi, Owen Pallett, MGMT

. Eli ‘Paperboy’ Reed : Dr Dog – Shame Shame, Jimmy Hughes – Something Extra Special, Roy Lee Johnson – When a Guitar Plays the Blues

. Isobel Campbell : Dave Rawlings Machine, Neil Young, Bo Diddley, Big Mamma Thornton, Amadou & Mariam

. Paul Weller : Erland and the Carnival, Tap Tap, The Coral – Butterfly House, Laura Marling, Corinne Bailey Rae – The Sea

. Richard Hawley : Edwyn Collins – Losing Sleep, Eliza Carthy & Norma Waterson – Gift

. Gene Simmons : Thom Yorke – The Eraser, The Envy, Rema Major, Lady Gaga

. Ray Davies : Mumford & Sons, Paloma Faith, Black Francis – Nonstoperotik, Amy Macdonald – A Curious Thing, Sonic Youth

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FILM COMMENT
A Revista Norte-Americana como de costume fez listas separadas, entre filmes lançados e não-lançados comercialmente nos EUA.


1. Carlos – Olivier Assayas
2. A Rede Social – David Fincher
3. White Material – Claire Denis
4. O Escritor Fantasma – Roman Polanski
5. O Profeta – Jacques Audiard
6. Winter’s Bone – Debra Granik
7. Inside Job – Charles Ferguson
8. Ervas Daninhas – Alain Resnais
9. Todos os Outros – Maren Ade
10. O Solteirão (Greenberg) – Noah Baumbach
11. Mother – Bong Joon-ho
12. Toy Story 3 – Lee Unkrich
13. Singularidades de uma Rapariga Loira – Manoel de Oliveira
14. Another Year – Mike Leigh
15. O Estranho Caso de Angelica – Manoel de Oliveira
16. Minhas Mães e Meu Pai – Lisa Cholodenko
17. Shutter Island – Martin Scorsese
18. Around a Small Mountain – Jacques Rivette
19. Aquele Querido Mês de Agosto – Miguel Gomes
20. Ne change rien – Pedro Costa
21. Dentes Caninos – Yorgos Lanthimos
22. I Am Love – Luca Guadagnino
23. Sweetgrass – Lucien Castaing-Taylor & Ilisa Barbash
24. Black Swan – Darren Aronofsky
25. O Pai dos Meus Filhos – Mia Hansen-Løve
26. Boxing Gym – Frederick Wiseman
27. Secret Sunshine – Lee Chang-dong
28. Barba Azul – Catherine Breillat
29. Enter the Void – Gaspar Noé
30. Inception – Christopher Nolan
31. Alamar – Pedro González-Rubio
32. The Oath – Laura Poitras
33. Exit Through the Gift Shop – Banksy
34. World on a Wire – Rainer Werner Fassbinder
35. Animal Kingdom – David Michôd
36. Vincere – Marco Bellocchio
37. Traga-me Alecrim – Ben & Joshua Safdie
38. Lourdes – Jessica Hausner
39. A Vida Durante a Guerra – Todd Solondz
40. Fish Tank – Andrea Arnold
41. Sentimento de Culpa – Nicole Holofcener
42. True Grit – Joel & Ethan Coen
43. Líbano – Samuel Maoz
44. The King’s Speech – Tom Hooper
45. O Golpista do Ano – Glenn Ficarra & John Requa
46. Last Train Home – Lixin Fan
47. Blue Valentine – Derek Cianfrance
48. O Pecado de Hadewijch – Bruno Dumont
49. The Anchorage – Anders Edström & C.W. Winter
50. O Inferno de Henri-Georges Clouzot – Serge Bromberg & Ruxandra Medrea

Não Lançados nos EUA

1. Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas – Apichatpong Weerasethakul
2. Filme Socialismo – Jean-Luc Godard
3. Poesia – Lee Chang-dong
4. Meek’s Cutoff – Kelly Reichardt
5. Aurora – Cristi Puiu
6. Misterios de Lisboa – Raúl Ruiz
7. A  Autobiografia de Nicolae Ceausescu – Andrei Ujica
8. As Quatro Voltas – Michelangelo Frammartino
9. Cópia Fiel – Abbas Kiarostami
10. Terça, Antes do Natal – Radu Muntean
11. Oki’s Movie – Hong Sang-soo
12. Ruhr – James Benning
13. I Wish I Knew – Jia Zhangke
14. My Joy – Sergei Loznitsa
15. Nostalgia da Luz – Patricio Guzmán
16. Robinson in Ruins – Patrick Keiller
17. Vênus Negra – Abdellatif Kechiche
18. Homens e Deuses – Xavier Beauvois
19. Tabloid – Errol Morris
20. The Robber – Benjamin Heisenberg

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NEW MUSICAL EXPRESS


50. Frightened Rabbit – The Winter Of Mixed Drinks
49. Surfer Blood – Astro Coast
48. My CHemical Romance – Danger Days : True Lives of The Fabulous Killjoys
47. Pulled Apart By Horses – Pulled Apart By Horses
46. Paul Weller – Wake Up The Nation
45. Four Tet – There is Love in You
44. Manic Street Preachers – Postcards From a Young Man
43. Everything Everything – Man Alive
42. Mystery Jets – Serotonin
41. Steve Mason – Boys Outside
40. Sleigh Bells – Treats
39. Magnetic Man – Magnetic Man
38. Big Boi – Sir Lucious Left Food : Son of Chico Dusty
37. LoneLady – Nerve Up
36. Hurts – Happiness
35. Glasser – Ring
34. Kanye West – My Beautiful Dark Twisted Fantasy
33. Marina and the Diamonds – The Family Jewels
32. Islet – Wimmy
31. Crystal Castles – Crystal Castles
30. Klaxons – Surfing The Void
29. No Age – Everything in Between
28. New Young Pony Club – The Optimist
27. Best Coast – Crazy For You
26. Les Savy Fav – Root For Ruin
25. Avi Buffalo – Avi Buffalo
24. Vampire Weekend – Contra
23. Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Before Today
22. Swans – My Father Will Guide Me Up a Rope To The Sky
21. Janelle Monae – The ArchAndroid
20. Deerhunter – Halycon Digest
19. MGMT – Congratulations
18. Warpaint – The Fool
17. Factory Floor – Untitled
16. Grinderman – Grinderman 2
15. Yeasayer – Odd Blood
14. The Fall – Your Future, Our Clutter
13. Gayngs – Relayted
12. Caribou – Swim
11. The National – High Violet
10. The Drums – The Drums
09. Liars – Sisterworld
08. Salem – King Night
07. Zola Jesus – Stridulum
06. Foals – Total Life Forever
05. Laura Marling – I Speak Because I Can
04. LCD Soundsystem – This Is Happening
03. Beach House – Teen Dream
02. Arcade Fire – The Suburbs
01. These New Puritans – Hidden

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CAHIERS DU CINÉMA


1. Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas (Apichatpong Weerasethakul)
2. Vício Frenético (Werner Herzog)
3. Filme Socialismo (Jean-Luc Godard)
4. Toy Story 3 (Lee Unkrich)
5. O Fantástico Sr. Raposo (Wes Anderson)
6. Um Homem Sério (Ethan & Joel Coen)
7. Morrer Como um Homem (João Pedro Rodrigues)
8. A Rede Social (David Fincher)
9. Shuga (Darezhan Omirbayev)
10. Mother (Bong Joon-ho)
11. O Escritor Fantasma (Roman Polanski)
12. Todos os Outros (Maren Ade)
13. Homens e Deuses (Xavier Beauvois)
14. La vie au ranch (Sophie Letourneur)
15. As Quatro Voltas (Michelangelo Frammartino)
16. Avatar (James Cameron)
17. Traga-me Alecrim (Ben & Joshua Safdie)
18. Mistérios de Lisboa (Raoul Ruiz)

Steven Soderbergh não é Antonioni, mas conseguiu fazer de “The Girlfriend Experience” uma parábola sobre a incomunicabilidade nos dias de hoje. Retratando a rotina de uma escort girl de alto nível, cujo serviço é o de personificar uma namorada para o cliente (incluindo conversas, jantares, idas ao cinema, além claro dos procedimentos sexuais), o filme foge da premissa que o tema sugere (aumentada pela escalação da princesinha do pornô Sasha Grey como protagonista) e adota uma postura reflexiva, mais preocupada em retratar a falta de integração entre os personagens, que atuam quase como objetos/peças dentro do universo que os circunda – não por acaso, o enquadramento faz os atores parecerem “engolidos”, imersos nos cenários, estes sempre altamente estilizados e com forte senso geométrico, talvez mais uma influência (eu disse influência) de Antonioni e seu “Deserto Rosso“.

É um filme de in betweens, na tradição de um “Paris Nous Appartient” e “Two-Lane Blacktop” (apesar de sequer poder ser comparado a estas obras-primas), onde prováveis cenas de sexo ou de maior significância para o (suposto) plot são suprimidas por conversas pós-coito ou em restaurantes, ou por momentos de silêncio e contemplação. Talvez esteja aí o motivo de suas críticas : não se trata de um filme narrativo e supostamente vazio (conforme disse a grande maioria), mas de um filme onde o vazio atua como agente opressor, sufocando o relacionamento entre seus personagens. Onde a preocupação com a economia (o assunto mais abordado pelos interlocutores), a paranóia pela persecução do “bem estar” por via material, acaba por afastar a todos ao ponto da única forma de encontrar carinho, compreensão (logo ao início, um dos clientes diz : “My wife never listens to me“) é pagando em cash (Alguém aí falou “Eros e Civilização” ?). A já citada estilização dos cenários e fotografia é outro sintoma dessa idealização capitalista, da busca da felicidade pelo perfeito (também estético), pela opulência. A beleza da acompanhante, bem como a paranóia desta com novas prováveis concorrentes, naturalmente estão inclusas neste pacote.

A escolha de não-atores (a única profissional – ops – em cena é Sasha Grey) e a improvisação em diálogos são mais indicadores que não estamos diante de um filme de personagens – Soderbergh está mais interessado em admirá-los como pequenos organismos dentro de um sistema, mas é claro que um lastro de história ajuda na digestão, e assim seguimos Chelsea (Sasha) e seu namorado por alguns dias, ela com seus clientes, uma amiga, um webdesigner, um repórter, ele (um personal trainer) na academia, viajando a Las Vegas com um de seus alunos (um rico investidor). A montagem fragmentada e a estrutura não-linear ajudam não só a criar um fiapo de narrativa a partir dos acontecimentos, mas também a dividir o filme em blocos a partir do clima e da abordagem emocional : o início, mais frio e em tom documental, vai cedendo espaço para uma visão mais parcial da vida do casal, até chegar a um segmento final onde estamos mais próximos da fragilidade da protagonista. O momento de anti-clímax e alívio (tragi)cômico fica por conta do asqueroso “Erotic Connoisseur”, um moderador de message board pornográfico que pede uma “de graça” pra fazer um review positivo do site da moça.

Mesmo fazendo um filme para exercer seu lado mais (sic) “experimental”, Soderbergh não perde a mão Hollywoodyana, resultando num trabalho que, apesar de meditativo demais para alguns, em nenhum momento perde o ritmo ou deixa de ser agradável. Mais uma boa surpresa de um diretor que, dentro do esquemão Americano, é um dos poucos que ainda dão a cara a tapa – e na maioria dos casos, acaba vítima do status quo.

Um filme baseado num conto por sua vez influenciado por outro filme. A relação entre “The Shout” (de Jerzy Skolimowski) e “The Cabinet of Dr Caligari” é estabelecida pelo conto (homônimo) de Robert Graves, escrito na década de 20 e nitidamente influenciado pelo clássico expressionista – ainda que, dizem as más línguas, realizado em “homenagem” a uma escritora que o tirou de casa e dos braços da então esposa. A filtragem do filme pelo livro cria uma idéia de sinestesia que o diretor polonês soube decodificar perfeitamente, resultando num trabalho que parte da idéia de “exploração da loucura/narrativa desenvolvida pela instabilidade mental de um personagem” de “Caligari” para chegar num território de distorção da realidade lido diretamente pela câmera : ao invés de caracterizar um personagem como “louco”, somos apresentados ao mundo pelos olhos do mesmo. Assim sendo, em nenhum momento temos a segurança de que o que vemos é uma dita “realidade”, mesmo dentro do contexto do filme, e o narrador, que logo ao início avisa que “a história é verdadeira, mas contada cada vez de uma forma diferente“, é uma marionete do diretor : apoiado no texto e liberdade do louco/narrador em construir seu mundo e realidade, Skolimowski entregou um tratado sobre (su)a criação fílmica – nele cabendo, por que não ?, um fechamento de ciclo com o expressionismo por referências visuais, como a de sua cena central :

A capacidade do diretor em sintetizar um discurso que vai desde definições de masculinidade a teologia/espiritualismo dentro de um plot minimalista, e com tamanha sutileza, parece alimentada pela decupagem e ritmo : impressionam a fluência das cenas e a facilidade que a informação visual é passada, sempre de forma concisa. Um rápido plano das dunas, seguido por outro de uma bicicleta no chão e um terceiro de sapatos (com areia) entrando em casa são suficientes para entendermos que o personagem de John Hurt esteve com sua amante. Mesmo o final do filme, por mais que deixe as possibilidades em aberto, fecha um ciclo visual e narrativo – e assim é por todo o seu percurso, mesmo que as expectativas criadas não sejam correspondidas (e dificilmente elas o são), sempre existe uma cena fechando uma relação de causalidade.

O áudio é outro elemento essencial, sendo cada nuance destacada a ponto de direcionar certas cenas – não por acaso, o personagem de John Hurt é um músico experimental e existem diversos planos ilustrando tentativas de captação de sons ambientes por ele, quase um aviso literal do diretor para a atenção aos pequenos detalhes sônicos (por sinal, este foi um dos primeiros filmes – senão o primeiro – a utilizar o sistema dolby). O próprio “grito” do título é um momento de catarse sonora : depois de 18 anos no outback australiano, aprendendo magia e feiticaria com shamans, o personagem de Alan Bates (em atuação monstruosa) desenvolve um grito capaz de dizimar todos em seu raio de atuação. A visão/versão tortuosa da história de Bates é enfatizada por enquadramentos pouco usuais e recursos de montagem como flash-forwards e cortes inesperados, causando uma sensação de instabilidade/desconforto bastante semelhante a dos filmes de Nicolas Roeg, outro diretor que, assim como Skolimowski, até hoje não recebeu a devida atenção.

Um bom começo para uma jornada de (re)descobrimento seria uma edição decente desta obra-prima – o dvd lançado até então (na Inglaterra apenas) tem imagem bem mediana e som mono, misturando diálogos às camadas de áudio cuidadosamente distribuídas (resultando num som embolado e sem profundidade alguma); enfim, uma desgraça. Quem sabe com o lançamento de “Essential Killing“, que está prestes a entrar em cartaz e pelo trailer pareceu-me promissor (e foi a motivação para esse post), alguma boa alma resolva ouvir as preces. Ou o grito…

Assistir a “Inception” é como ser preparado para um banquete, belos pratos e talheres, taças de cristal, luz de vela, e acabar servido com uma lazanha congelada e um suco de uva artificial. Antes de acharem que fui envolvido pelo clima de oba-oba que ganhou a internet na última semana, refiro-me ao próprio prólogo do filme : se em dado momento, Christopher Nolan nos dá a dica (e ele fará isso frequentemente) de que sonhos não possuem um início determinado, nos primeiros frames após os créditos iniciais já somos jogados dentro da ação, de um mundo espetaculoso que nos apresenta o arquétipo das “camadas” de sonhos proposta pelo roteiro de forma brilhante, descascando as tais camadas como uma cebola, até chegar a um plano de (suposta) realidade, onde os “ladrões” se desconectam do sono e voltam a si. A sequência é finalizada com apresentação da problemática da “inserção”, e dessa forma, o diretor consegue nos passar a configuração básica para o desenvolvimento da narrativa de forma concisa e dinâmica (a sequência deve durar em torno de 10 a 15 minutos). Estamos então posicionados diante de um oceano de possibilidades, mas numa manobra desastrosa, Nolan limita suas idéias a uma piscininha de plástico.

escape from the planet of the apes…

Muito tem se discutido acerca da forma que os “sonhos” foram abordados : a liberdade que tal situação enseja permite uma exploração inesgotável de recursos visuais e narrativos, mas optou-se por uma leitura mais convencional e “concreta” – decisão que dizem ser balizada pela afirmação do protagonista de que tais sonhos ocorrem numa espécie de “ambiente controlado”. Ocorre que, tanto na sequência inicial (de visual mais grandioso e ambientação mais atípica – lembre dos manifestantes, ou do castelo de Saito) quanto no momento em que Leonardo DiCaprio (Cobb) apresenta Ellen Paige (Ariadne) ao “mundo dos sonhos”, nos são oferecidas possibilidades de ambientes mais fantásticos e imprevisíveis dentro dos tais sonhos – sendo que DiCaprio inclusive cita literalmente a liberdade da “arquiteta” para criar coisas “fantásticas, impossíveis de existir no mundo real“, enquanto esta brinca de dobrar uma rua de Paris ou montar escadas de Escher por aí (numa sequência que, além de um tanto brega – “Juno brincando de Deus” – lembra muito o treinamento de Neo no mundo de “Matrix” – volto já a este ponto). Pra que sinalizar com essas possibilidades se, na hora da execução, tudo acaba ocorrendo nos cenários de um filme de ação qualquer (uma rua, um hall de hotel, uma montanha no gelo) ?

A questão visual também dispara um outro velho problema nos filmes de Nolan : a dificuldade em comunicar-se, em fazer-se entendido pela imagem – OU a hiper-recorrência ao texto, não como complemento e cúmplice da linguagem visual, mas como exaustivo canal de interpretação de seus signos; a famosa mania de querer explicar tintim por tintim cada detalhe de seu roteiro, sem deixar um minimo de vazio, de ar circulando entre seus canais condutores (fator importante para a futura digressão do espectador – Kubrick sabia bem disso). Aproveitando a citação da sequência de Cobb e Ariadne, é mais ou menos a partir dela que Nolan começa a trocar os pés pelas mãos e involuir a narrativa – estávamos ali num ponto suficientemente seguro para embarcarmos na missão do protagonista, mas o diretor parece não confiar na capacidade de absorção/interação de seu público e prefere pegar o caminho mais seguro, apresentando a busca e “introdução” dos membros a equipe de Cobb, na verdade uma manobra pobre de roteiro com intuito único de apresentar o conceito do filme nos mínimos detalhes. Tais personagens inclusive parecem relegados a recurso explicativo – o da pobre Ellen Page, por exemplo, está muito mais praquele clipezinho de ajuda do Windows do que para “a que ajuda a sair do labirinto”, como a Ariadne da mitologia Grega. Mitologia que é mais um ponto de convergência deste com “Matrix“, que vai desde a idéia da imersão a outro mundo pelo “sono” induzido até as próprias características desse “mundo” (os sonhos de “Inception” têm até espécies de Agentes Smith perseguindo os personagens !). A diferença é que o filme dos Wachoswki (refiro-me apenas ao primeiro, obviamente) é muitíssimo melhor resolvido, inclusive em termos de roteiro (a forma que a tal “realidade falsa” vai nos sendo introduzida, a descoberta de Neo, a mescla de Sci-Fi com filosofia, referências Orientais com psicanálise) – o que leva a mais um alicerce balançado : apesar de limitar o trabalho de direção em função quase que exclusiva de roteiro, o fato é que os Nolan (Christopher e o irmão) também deixam a desejar em vários aspectos do mesmo.

Inception” vem sendo declarado um filme “complexo”, certos críticos chegaram ao ponto de considerá-lo um “mindfuck”, mas sinceramente, olhando sua estrutura narrativa, não consigo ver nada além de uma idéia não muito aprofundada. O conceito do “sonho”, como já comentado, não apresenta nenhuma alteração de percepção da realidade, e a questão das “camadas” (o sonho dentro do sonho) acaba sendo apenas um pretexto para mudanças de cenário/virtuosismo estilístico (até porque as situações são basicamente as mesmas – a equipe sequestrando o sujeito a sofrer a “inserção” e sendo perseguida por suas “projeções” que surgem na forma de seguranças fortemente armados) e montagem em cross-cutting, outra constante nos filmes de Nolan. Se essa estrutura trouxe algo de interessante, foi a questão da extensão temporal em cada camada nova – uma forma de brincar com a dilatação do tempo. No fim das contas, o clímax do filme (que compreende o tempo da queda da Van da ponte ao mar, na primeira camada) cruza ações e promove uma corrida contra o tempo da mesma forma que um faroeste fazia com o cenário “mocinha sozinha na carruagem x índios x cowboys chegando”. “Inception”, em síntese, é quase um paralelo Matrixiano/videogame de “Ocean’s Eleven“.

A própria idéia do “sonho dentro do sonho”/”trama dentro de trama” não é novidade na carrera do diretor : o esquema de “The Prestige” é bastante semelhante, apresentando memórias de um personagem lidas por outro, que por sua vez tem seu diário citado e nele citava um outro diário do primeiro personagem, criando uma relação de “história dentro da história” inclusive mais bem articulada – salvo pelo final, que em Inception também deixa a desejar : depois de 2:30h de puro didatismo (e alguns tiros e porradarias não muito notáveis), Nolan resolve implantar (ops) um tom de ambiguidade, que se não morre pelas próprias mãos (as imagens dos filhos são as mesmas inseridas por todo o filme, a própria textura do plano dá uma idéia de sonho), não consegue bater asas e voar em função do roteiro engessado desde o início.

i’m afraid… i’m afraid, Dave…

Não posso também deixar de comentar essa comparação esdrúxula que andam fazendo com Kubrick : o máximo que pode-se dizer é que Nolan prestou uma homenagem (não sei se por admiração ou picaretagem) a “2001” em alguns momentos, mais notadamente nas cenas anti-gravitacionais (talvez o melhor do filme) e (descaradamente) no encontro de Fischer e seu pai, quase uma versão baranga do encontro do Dave jovem com seu eu idoso – o que me leva a cogitar se Cillian Murphy não foi escalado exclusivamente pela semelhança física com Keir Dullea. É claro que Nolan ainda tem espaço pra crescer (é jovem, inclusive), mas daí a sair da sombra de um cânone é um longo caminho – talvez um bom começo seja fugir um pouco de sua zona de conforto, ousar mais, correr riscos em seus trabalhos. É basicamente o que falta a “Inception”, um filme com belas imagens (o diretor tem um bom olho para composição de quadros) e alguns bons momentos, mas previsível, “correto”, “flat” demais. Dentro do contexto blockbuster, está até acima da média (não que isso seja parâmetro), e vale a conferida no cinema. Só não vale aderir ao culto ao efêmero, ao clima de “melhor banda dos últimos tempos da última semana” cada vez mais na moda nesses dias de vida online.

A primeira quarta-feira do mês é reservada para um ritual quase religioso : a já tradicional Sessão do Comodoro, promovida por Carlos Reichenbach no CineSesc (SP), onde são exibidos filmes sempre inéditos (em cinema e dvd) no Brasil. Oportunidade única para ver na telona filmes recentes e antigos, normalmente de diretores marginalizados, como foi o caso da última edição com Michele Soavi (sim, lá vamos nós com outro diretor Italiano).

Ao falar de Soavi, Reichenbach usou de seu jeitão sempre passional : “é uma vergonha que, com tantos festivais pelo mundo, nenhum tenha se dedicado ainda a uma retrospectiva do italiano Michele Soavi – enquanto tantos outros perdem tempo com diretores de perfumarias”. O descaso é, de certa forma, compreensível – Soavi é provavelmente o maior herdeiro do legado de Mario Bava e Dario Argento, diretores do chamado cinema fantástico, de longa data negligenciado pela crítica e relegado a um pequeno nicho de “suspense/terror”. Iniciando a carreira como ator, Michele logo passou a assistente de direção de Dario Argento, que parece ter transplantado seu estilo “rebuscado-porém-simples” ao pupilo – cujos primeiros filmes, os inacreditáveis “Deliria” e “La Chiesa“, parecem pegar a peteca que Argento deixou cair naquele momento, ali pelos meados/final da década de 80. Após um breve sucesso nos EUA com “Dellamorte Dellamore” (um de meus filmes favoritos da década de 90), e então com uma obra já comparável ao melhor de seus mentores, Soavi desapareceu – reza a lenda que pra cuidar do filho, com problemas de saúde (não pesquisei pra confirmar), só voltando a ativa anos depois, em produções televisivas. Seu talento porém continuava garantindo-o no hall dos diretores diferenciados, e “Uno Bianca” acabou considerado como um dos melhores policiais já feitos na TV do país – levando-o novamente ao cinema em 2006, com este “Arrivederci Amore, Ciao“.

Ainda na apresentação do filme, Carlão falou de Soavi como um grande representante do “cinema do corpo”, numa clara alusão à caracterização de Rogério Sganzerla para o cinema cujas imagens se bastam na tela, sem busca de simbolismos, metáforas ou elucubrações existenciais. Um cinema que começa e termina dentro de suas imagens e não se propõe a uma maior significação das mesmas; num contexto atual, uma antítese à “Fita Branca” de Michael Haneke. Seguindo esse trajeto, penso no trabalho de Soavi como “cinema do corpo” também dentro de outro conceito, o qual ilustrarei a partir de quadros de uma sequência do filme :


O cinema de Soavi é o “cinema do corpo” propriamente dito, a imagem composta de tal forma a se contextualizar sem a necessidade de um texto, as formas físicas/materiais organizadas no quadro de modo a se bastarem para a transmissão do discurso cinematográfico. Uma breve olhada nos caps acima é suficiente pra absorvermos a estrutura da sequência, não só em termos do ocorrido (causa/efeito), como também das relações estabelecidas, distribuição de emoções e tensão – tudo conseguido com o olhar do diretor para os “corpos”, a ênfase por via de enquadramento e mise-en-scene. O posicionamento e movimentação (que, apesar de ausente nas fotos, é essencial) quase que suprimindo atuação (pelo menos no que tange à “expressividade” do ator) e texto, sem balançar a relação forma/conteúdo. O tal do “cinema puro”.

Não dói muito também comentar a coerência e beleza das imagens : a impressão é de que, talvez pela secular tradição nas artes plásticas, a Itália gerou uma escola de grandes estetas. Soavi é um de seus prodígios, e essa breve sequência ilustra bem o seu esmero na composição de linhas, luz e sombra, cor e formas. Também chamam atenção as constantes cruzadas de eixo na montagem da sequência, que apesar de consideradas não-convencionais, ajudam na criação de sua atmosfera tensa e não destoam visualmente. Essa facilidade em lançar mão de artifícios considerados complexos sem destoamento ou pura demonstração de virtuosismo e, mais ainda, sempre parecendo simples (cito também os complexos movimentos de câmera, sempre precisos e bem inseridos), aqui é aliada a uma versatilidade que ajudam na desconstrução do cinema de gênero que o diretor promove ao longo do filme, onde cada vez que seu protagonista (o ex-terrorista Giorgio) deixa um personagem para trás, uma nova “fase” é iniciada – e junto com ela, uma certa guinada estilística, que acompanha a tentativa do escroque de se adaptar a nova realidade, até que a força das circunstâncias faça com que ele pratique a traição e parta para a próxima. Dessa forma, o diretor parte da premissa de um “thriller”, passeia pelo neo-noir, pelo fantástico, pela comédia, até chegar num clímax onde deita e rola em sua maior especialidade : o giallo. Um filme certamente atípico, encerrado por um plano que conecta “reinserção na sociedade” por via de guarda-chuvas de uma forma totalmente brilhante – a tal cereja no bolo. Não por acaso, Reichenbach sentenciou : “é um de meus dez favoritos da última década”. Não parei pra pensar no assunto, mas muito longe disso, certamente o filme não está.

A pecha de cineasta “de esquerda”, de idealizador de filmes “de protesto” – tanto na contextualização da história Italiana como na recusa de seguir as correntes cinematográficas de seus conterrâneos/contemporâneos, fez de Marco Bellocchio uma espécie de patinho feio do cinema de seu país (em outro flanco, gente como Dario Argento sofre do mesmo tipo de descaso, mas deixemos esse papo pra outra hora). Injustiças à parte, é fato que em alguns momentos de suas quase cinco décadas de carreira a ebulição de idéias revolucionárias resultou numa mão pesada, mas parece que nesses últimos anos, o agora heptagenário diretor achou uma forma de domar e concatenar em película suas idéias sobre política/religião/família, resultando em trabalhos de crescente consistência – sendo “Vincere“, até então, a culminação da trajetória ensaiada nestes últimos filmes.

Utilizando-se de uma estrutura operística, por vezes flertando com o melodrama à italiana, o filme retrata a ascensão de Mussolini pelos olhos de Ida Dalser, a mulher que, apesar de ter casado e dado o filho primogênito ao Duce, foi rejeitada e literalmente apagada da história, sendo interditada e trancafiada num hospício. A narrativa é dividida em duas partes bem delimitadas, sendo a primeira, visualmente mais grandiosa, com a pompa da arquitetura italiana, planos abertos e presença de multidões, dedicada ao estabelecimento da relação entre Benito e Ida (que se encanta a primeira vista ao ver um discurso do futuro ditador, em uma pequena reunião). O primeiro encontro entre os dois já dá a tônica do que virá : ele, fugindo da polícia, encontra ela (que estava por segui-lo) num beco e a agarra, simulando um amasso de casal para despistar os guardas. Interesse de uma parte, devoção da outra – e assim, logo ela, já envolvida, abrirá mão de tudo para bancar o jornal que dará projeção nacional para o futuro líder.

Não demora muito para que, desprovida de bens e do controle da situação (que na verdade nunca teve), Ida seja jogada de lado e proibida de ver o tirano (já casado com outra) – e assim inicia-se a segunda parte, onde o Mussolini-ator se ausenta, e o único contato visual é estabelecido nas telas dos cinemas, onde o ditador (por via de imagens de arquivo) aparece em seus filmes de propaganda. Essa manobra permite que Bellocchio reforce o quão atento Benito estava ao potencial da imagem (na primeira parte, em vários momentos vemos o casal indo ao cinema), o que ajudou na criação de sua persona (lembremos que, antes de Hitler, foi ele o primeiro a explorar esse canal para ganhar apelo junto às massas). Numa visão mais ampla, o diretor enfatiza o poder do cinema (não por um acaso, em vários momentos vemos personagens assistindo a filmes), ou, trazendo a coisa para os dias de hoje, da própria TV (não dá pra não pensar em Berlusconi como um Mussollini de ocasião). Ao contrário da primeira parte, aqui o foco é no aprisionamento da protagonista, não só físico como de suas próprias idéias – ressaltados pelos planos no manicômio/convento, onde a atmosfera sufocante e opressora contrasta com os espaços abertos e opulentos da metade anterior. Esse controle de tonalidade psicológica por via da fotografia é essencial ao filme, sendo que vê-lo no cinema (não acreditando numa estréia por aqui, acabei ripando um dvd antes) foi uma grande revelação  – coisa parecida aconteceu com o “Bright Star” da Jane Campion, que pretendo comentar em breve. O filme realmente “cresceu” graças aos planos e mise en scene conduzidos com maestria – e aqui vale ressaltar que, apesar de captar imagens belíssimas, em nenhum momento o diretor abre mão da dinâmica/mecânica em prol de um deslumbramento visual (o que não seria nenhum pecado, diga-se – e confesso que, em momentos como o da imagem abaixo, a vontade é de parar a projeção para apreciar um pouco mais o quadro).

Outro aspecto que engrossa o apelo visual do filme é a linguagem corporal dos protagonistas, Mussolini que vai progressivamente incorporando o gesticular e a pose que o caracterizaram (e aqui cito ainda os próprios inserts dos  inflamados discursos do líder italiano, por si só atuações intensas), e Ida, uma Giovanna Mezzogiorno com olhar de uma expressividade que mais remete ao cinema mudo do que às atuações mais “realistas” dos dias de hoje – ao ponto de tornar-se desnecessário entendermos o diálogo para compreendermos o que a personagem sente. É por esses olhos, que vão do brilho do fascínio inicial a obsessão, ao desespero, ao ódio e a resignação, que o diretor nos filtra um pedaço importante da história italiana, numa inteligente manobra narrativa que garante o melodrama familiar e ao mesmo tempo funciona como crítica : independente de suas intenções, Ida é uma idealista convicta e antítese de Mussolini, que posa de defensor ferrenho de suas idéias mas vai mudando quando lhe é conveniente (de ateu a reinstaurador do catolicismo, de anti-guerra a defensor da mesma, de opositor a Alemanha a aliado…). Mais ainda : Ida, sã, é jogada num convento e empurrada à letargia, enquanto o povo de seu país era dopado (e domado) pelos discursos do Duce. Ida Dalser, nas lentes de Marco Bellocchio, é o inconsciente coletivo italiano, um espírito revisionista voando sobre um período conturbado na sua história.

E quando um psiquiatra (personagem chave), ciente da sanidade da personagem e preocupado com seu futuro, aconselha, como um dos poucos olhos de lúcidez sobre a situação, algo como “Você tem que atuar, fingir que aceita as regras deles, enquanto eles estão lá. Você acha que o Fascismo vai durar para sempre ?“, recebe como resposta “E assim, quem é que vai saber da minha história ?“. Depois desse filme, tão cedo ela não será esquecida.

Comemorando sua ducentésima edição, a Mojo de julho vem recheada de matérias com gente que fez história ao longo da existência da revista (como um raio-x de “In Utero”, que foi o “album do mês” na primeira edição) e recebeu como editor convidado ninguém menos que Tom Waits. Além de escolher e conduzir a entrevista do mês, meter o bedelho em várias matérias e reviews de discos (que ganham um selo “Tom Waits Approved”), o camarada ainda ganhou uma enorme matéria de capa (com seu perfil, carreira etc) e, o que interessa aqui, fez a compilação das faixas do disco do mês – quem conhece a música do sujeito, deve fazer idéia do que vai encarar. Como já virou costume, fiz o upload do disco (mp3 em 256kbps), cuja tracklist segue abaixo.

1. Tennessee Ernie Ford – Sixteen Tons
2. Son House – John The Revelator
3. Hank Williams – Ramblin’ Man
4. Prisonaires – Just Walkin’ In The Rain
5. Ray Charles – Drown in my Own Tears
6. Blind Mamie Forehand – Honey in the Rock
7. Hank Ballard & The Midnighters – Let’s Go, Let’s Go, Let’s Go
8. Paul Robeson – No More Auction Block
9. Howlin’ Wolf – Dorothy Mae
10. Harry Belafonte – Sylvie
11. Bob Dylan – I Was Young When I Left Home
12. Gavin Bryars – Jesus Blood Never Failed Me Yet – Single Version (with Tom Waits)
13. Big Mama Thornton – Ball N’ Chain
14. William Burroughs – Ich Bin Von Kopf Bis Fuß Auf Liebe Eingestellt (Falling in Love Again)
15. Cliff Edwards – When You Wish Upon a Star
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Cai dentro !

A história todo mundo já tá careca de saber : moleques cabeludos penduram suas guitarras, atocham seus amplificadores e enfurnam-se em garagens, com aqueles velhos ideais de mudar (ou dominar) o mundo… não, na maioria dos casos, os ideais são os de acabar com o tédio e com sorte mudar o panorama de suas vidas sexuais mesmo. Não deve ter sido diferente com esse trio Australiano, formado quando os guris estavam na casa dos 13 anos. Acontece que, no meio do processo, eles conseguiram algo restrito a raros exemplares : captar essa energia primária e burilá-la a ponto de entregá-la num formato diferenciado.

Talvez a melhor descrição para o som deste Lp de estréia do Tame Impala (que já havia lançado um EP) esteja em sua capa : colorido, psicodélico, quente e imersivo, “Innerspeaker” traz ecos de rock sessentista sem soar clichezento ou picareta como a maioria das bandas atuais que carregam essa etiqueta. Curiosamente, mesmo com influências grudadas na testa, como os vocais assustadoramente (no bom sentido) parecidos com os de John Lennon circa “Revolver” (voz meio preguiçosa, vogais estendidas, caixas Leslie, leves distorções, dobras) ou guitarras com o timbre fuzzy do Cream (em dado momento de “The Bold Arrow of Time”, parece que vamos ouvir o riff de “Sunshine of Your Love”), a banda consegue fugir do conceito de simples emulação e soa “fresca”, com uma cara de novidade – não por um acaso, já anda caindo nas graças de uns modernos por aí.

Além da década de preparação (a banda formou-se em 1999), sem dúvidas crucial no desenvolvimento da dinâmica (tanto em arranjos como na instrumentação – os caras tocam com a segurança de veteranos), a produção do disco foi essencial nessa diferenciação, sendo que os faders da mesa de som ficaram nas mãos de Tim Holmes, do Death In Vegas, e o grande Dave Fridmann, responsável pelo som de algumas das principais bandas “psicodélicas” da modernidade, como os Flaming Lips e o Mercury Rev. A dupla conseguiu trazer uma sonoridade que é cheia de detalhes, mas sem perder em densidade – ouça o disco com headphones e prepare-se para um deleite de timbres e distribuição de efeitos de guitarra entre os canais.

“Innerspeaker” é um disco centrado no conjunto, o que quer dizer que provavelmente não haverá “aquele” hit (apesar de que “Lucidity”, “Solitude is Bliss” e a já citada “Bold Arrow of Time” andam em alta rotação por aqui) – uma idéia que, de certa forma, praticamente bate de frente com a forma que a música vem sendo pensada nos dias de hoje. Dias de download e stream, que o conceito de “unidade” anda tão diluído – e isso por si só já faria deste um trabalho importante, por trazer de volta ao burburinho algo tão demodê. É claro que está longe de ser só isso, mas melhor conferir por si só. Neste caso, DO believe the hype.

DOWNLOAD (mp3 em 320kbps).

Afinal de contas, do que trata este “Martyrs” ? A associação de um elemento sádico ao cinema vem de filmes como “La Passion de Jeanne d’Arc” até a franquia “Saw“, passando por “Salò” e “Clockwork Orange” : em diferentes aspectos e intensidades, o sofrimento de personagens sempre apeteceu o público, levando gêneros como o Terror a se especializar em nichos de exploração dessa idéia – num filme “slasher”, por mais que simpatizemos com determinados personagens, queremos mais é ver pedaços deles voando pela tela. Gente como Hitchcock, Brian De Palma e Dario Argento ajudaram a fetichizar essa relação, com seus assassinatos estilizados, enquanto Lucio Fulci investiu no choque das platéias, com sua violência mais gráfica. Alguns filmes chegam ao ponto de serem praticamente projeções desse “inconsciente de sadismo” do espectador, como o “Funny Games” de Michael Haneke. O filme de Pascal Laugier, porém, tenta passar por cima (ou ir além) dessa idéia – e por esse, entre outros mortivos, falha miseravelmente.

Martyrs” começa (mal) estabelecendo rapidamente a relação entre as duas personagens principais, crianças criadas num abrigo (ou coisa do tipo), sendo uma delas fugitiva de uma espécie de “quarto do pânico” onde era constantemente torturada, e a outra uma espécia de “protetora”. Logo, numa elipse de 15 anos, temos um cenário de vingança da torturada sobre os responsáveis; até aí, o filme apresenta-se como um terror meio mal realizado, com plot fraco, caracterização da personagem “tormentada” totalmente previsível, mas uma cena ou outra aproveitável (bem como os dois pitéus no elenco, mesmo com esse visual esboço de “Trouble Every Day“). Acontece que lá pelos idos de sua metade, o filme desvia-se de sua direção numa manobra que mais parece uma troca de diretor ou produção, e o que temos a partir de então são (intermináveis) cenas de tortura que parecem existir apenas para justificar uma pífia conclusão.

Muito da repercussão do filme deve-se a essa “violência”, sendo o termo “torture porn” frequentemente associado ao mesmo. Acontece que, ao contrário de um “Hostel” (ou “Saw“) da vida, a violência/tortura não funciona como elemento de fuga, como aproximação do fantástico/ficcional ou até como algo que desperte um sentimento de “crueldade” no público. Aqui, o diretor trabalha em cima do conceito de “causar desconforto” (o que, convenhamos, nem é lá tão apurado – um Takashi Miike faz, com o pé nas costas, cenas de tortura bem mais impressionantes), para, no fim das contas, se contradizer em prol de um discurso supostamente “filosófico”. “Mártir” mesmo é quem consegue chegar até o final disso aqui.

Ao anunciar uma suposta “sequência” para um clássico absoluto do cinema (“Belle de Jour“), Manoel de Oliveira só poderia estar muito certo do que estava fazendo – ou dando sinais de sucumbência à idade. “Descobri a forma ideal de realizar o filme”, disse o velhinho – e uma vez que trata-se de um projeto de 2006, e já tendo entregue até hoje mais dois outros sólidos trabalhos, não dava pra duvidar do potencial dessa estréia tardia. Na verdade, minha dúvida era a de como dar sequência a um filme cujo limite entre o real (ou o suposto real) e o imaginário vai ficando cada vez mais volúvel até dissipar-se quase completamente no final. Um encontro entre Severine (personagem originalmente vivido por Catherine Deneuve) e Husson (Michel Piccoli – que aqui novamente encarna o personagem), mesmo que depois de 40 anos, numa mesma “timeline” do filme de Buñuel supõe uma tomada de partido quanto a “realidade” apresentada, mas o fato é que, numa jogada de mestre, o portuga conseguiu montar uma alegoria que captura idéias do comparsa ibérico e as reflete de volta a matriz, sem necessariamente enveredar-se por algum caminho definido ou macular o material original. “Belle Toujours” já se apresenta, nos créditos iniciais, como uma “homenagem a Buñuel e ao roteirista Jean Claude Carriere”, mas logo percebemos que, além de um tributo, é uma ruminação de Oliveira sobre os conceitos de cidadão-psiqué-sexualidade levantados pelo espanhol – com o adendo do tempo (40 anos passaram) naturalmente pesando nas costas. Essas considerações são feitas na seção intermediária do filme, constituída basicamente por Piccoli (quase como um porta-voz do diretor) conversando com um jovem barman no balcão de um bar, com a presença periférica de duas prostitutas numa mesa (o elemento sexual sempre rondando). Essas cenas (os “encontros” no bar ocorrem por algumas vezes) são a chave para entendermos o ângulo de visão do filme : o foco aqui não está em Severine, mas em Husson.

Belle de Jour” é um filme que trata das projeções/devaneios/neuroses do Homem : temos a protagonista, Severine/Belle com toda a questão sexual/masoquista que a leva (apesar de casada) a trabalhar num bordel, mas não a impede de continuar fantasiando ao ponto de praticamente sonhar acordada. Apesar de totalmente focado nessa personagem, o filme nos apresenta brevemente a escapismos/obsessões de outros, como os clientes e suas extravagâncias sexuais, o gangster que se apresenta como um empresário, a zeladora/faxineira do bordel que sonha com a atenção dos clientes : cada qual com o seu “cinema”. Em “Belle Toujours“, Manoel pinça uma das únicas relações entre personagens que é concreta – o interesse de Husson por Severine – e transforma-o num mote para acompanhar seu devaneio, ilustrado na arquitetagem de um plano para arranjar um jantar com Severine, após avistá-la numa sala de concertos.

O sentimento de sadismo/ansiedade de Husson é logo explicitado por um esfregar de mãos agitado, após o contato visual com a musa. Percebe-se que, a partir dali, a música de Dvorak (a única executada em todo o filme) já não o interessa : ele quer o quanto antes alcançar Severine, que acaba por esguiar-se, evitando-o e dando início a um procedimento de “perseguição” que o leva até o já citado bar, bem como a um hotel e as ruas de Paris – até que o encontro ocorre casualmente, na rua, com um plano aberto (sugerindo distância) onde não podemos ouvir a conversa travada. Dessa forma, Oliveira numa tacada primorosa de-enfatiza o encontro de mitos e esquiva-se novamente de meter o bedelho na obra original – procedimento novamente utilizado no final do filme, numa manobra envolvendo um jantar onde supostamente Husson irá contar a Severine o que disse a seu marido (algo que fica em aberto no filme de Buñuel).

Dali em diante, o diretor se ocupa em nos apresentar o desabrochar do ritual/fantasia de Husson, num jantar caracterizado como um palco, com assistentes garçons no primeiro ato, onde o “casal” come em total silêncio (ênfase nos efeitos sonoros dos talheres), olhar de desconforto/aflição de um lado, satisfação/sadismo de outro. Garçons retiram-se, luzes são baixadas e velas acesas, um presente vindo do filme original (vários objetos em comum insinuam-se entre os cenários/memórias) é oferecido. O rito continua, e nesse momento já tem-se a certeza que pouco importa o quão diferente Severine pode ser hoje, ou quando e como será o clímax do evento : o que Husson pretende é captar um momento e estendê-lo o quanto possível, assim como pode fazê-lo o cinema, ou uma fotografia. Assim como pensamos muitas vezes fazer de nossas vidas.

Findo o jantar/espetáculo, o protagonista deixa o restaurante/palco, os garçons/assistentes arrumam as mesas/sets. Luzes se apagam. “Fim do cinema”.

A “janela” é um procedimento pelo qual basicamente analisa-se a viabilidade de exibir ou não um filme no país (baseando-se na bilheteria arrecadada em outros mercados, claro). Quanto maior o “risco” oferecido (leia-se diretores menos conhecidos ou pouco comerciais, etc), maior a espera para nós, espectadores – o que explica, por exemplo, a estréia quase simultânea de blockbusters como “Iron Man 2” e o atraso de “Hurt Locker” (que chegou a ser lançado antes em dvd, pois sequer entraria em cartaz, o que só ocorreu em função da indicação para o Oscar). Na última semana, porém, duas estréias chamaram a atenção pelo atraso épico : “Belle Toujours” (2006) e “Death Proof” (2007). Tá certo que as notícias foram recebidas em pólos quase opostos : a estéia do filme de Manoel de Oliveira, diretor normalmente (e infelizmente) relegado a Festivais/Mostras, é comemorada como uma vitória (mesmo que pequena e tardia), enquanto que a do de Tarantino, diretor badalado e que sempre movimenta bom público, denuncia o (literal) atraso de nossos cinemas (que acaba refletindo no público e no próprio Cinema – o meio). A bagunça na distribuição internacional de “Death Proof” (com toda a questão do “desmembramento” de “Planet Terror“, então exibido em conjunto, etc) até serviria como atenuante, mas 3 anos de atraso são imperdoáveis – em termos de bilheteria, inclusive, considerando que a grande maioria do público-alvo já deve ter assistido ao mesmo. Ainda assim, insisto : vejam os filmes na telona.

É claro que o apelo de “ver na telona, em película” aplica-se a todo e qualquer filme, mas colocar a questão em perspectiva é essencial para reforçar o poder imagético da produção de Tarantino – que entrou no ciclo da “imagem pela imagem” talvez em “Jackie Brown“, consolidando-se nos dois “Kill Bill” e chegando a este momento (“estamos” em 2007) num indubitável auge, naquela altura que o artista não só domina uma linguagem como já a institucionalizou por via de uma obra. A consciência desse legado é importante no refinamento de sua técnica, mas principalmente na sua caracterização : o “amor aos filmes” sempre foi uma forte assinatura, explicitada por via de referência/reverência a obras e estilos alheios, mas aqui o diretor vira a câmera pra si, resultando numa primeira instância auto-referencial e, mais importante, numa nova perspectiva a ser captada e pensada.

Essa relação latente com os filmes passa a ser ainda mais táctil, a partir do momento que referências passam de citações verbais (características de seus dois primeiros trabalhos) a visuais, o que reforça o emprego de maior ênfase a questão da imagem não só como elemento estético, mas cinematográfico : cada vez mais somos confrontados com a idéia de que o mundo retratado é o “mundo do cinema” – o que permite a inserção de um som (diegético) que funciona como menção a outro filme do diretor, por exemplo. O fato das 4 personagens femininas da segunda parte trabalharem com cinema, bem como o assassino (um ex-dublê), reforça a questão da metalinguagem aplicada : não só Tarantino fala de e vive nos filmes, como seus personagens trabalham com eles. Dentro do próprio filme, inclusive, existe um distanciamento de abordagem entre suas metades, como se elas fizessem parte de universos/filmes diferentes, mas possuíssem um personagem em comum (que reage de acordo com o habitat local). Na primeira metade, temos uma visão mais misógina, com personagens femininas fragilizadas, sem grandes aspirações e retratadas basicamente como objetos sexuais – disposição favorável a sociopatia do personagem de Kurt Russell, um ex-dublê esquecido (auto-referência ?) que encontra nas moças um objeto lacaniano de obsessão, só saciando-se após enfiar o seu carro no delas (ui) a 200km/h, num desdobramento da síndrome de “Crash” sem a questão psicológica levantada. A metade inicial resume-se basicamente a uma construção climática sem muita pressa nem intenção de aprofundar-se na relação dos personagens, uma dinâmica próxima de um “Road Movie” que desemboca num clímax rápido, causando uma ruptura entre ela e sua “sequência”.

A cena que abre a segunda parte do filme já mostra uma intenção diferente, com o assassino vislumbrando pela primeira vez suas futuras vítimas, que estão num carro ao lado : aqui, temos logo de cara um plano que estabiliza a conexão com as primeiras vítimas (pés pra fora da janela, moças num carro), mas ao contrário da primeira parte, vemos uma longa observação das nuances das meninas, colocando o espectador numa posição de voyeurismo pelos olhos do maníaco. A sequência do posto, que tem toda uma inflexão Godardiana, estabiliza essa mudança de perspectiva, inclusive no trato com as personagens, que aqui falam de emprego, aspirações, amizade. Mesmo o fetiche por carros, objeto quase exclusivo do mundo masculino, é experimentado pelo lado feminino, o que, junto ao fato de duas personagens serem dublês (bem como o assassino), nos prepara para um confrontamento – que acaba por vir após uma primeira perseguição, numa hilária reviravolta com pintas de “Mad Max”. A partir dali, e ao contrário do impacto rápido do final da primeira metade (Kurt Russel e seu carro-falo), dá-se início a uma espetacular sequência de perseguição, durando 20 minutos (!!) sem tornar-se repetitiva/cansativa e que por si só já vale o ingresso, culminando num plano final onde, empregando seu característico Brechtianismo de boteco, o diretor cria um movimento de ação com cara de videogame – e encerra tudo aqui, no clímax, foda-se o relaxamento. Difícil ver algo tão cinemático nos dias de hoje.

(obs – deixarei as considerações sobre o filme do Manoel de Oliveira pro próximo post)

Depois de bater na tecla da (má) padronização do cinema comercial atual no último texto, eis que volto, por via de um filme assistido por esses dias, pra falar de outro maneirismo que assola a Hollywood dos dias de hoje : apesar de não ser nenhuma novidade, o remake parece cada vez mais servir de muleta para uma indústria empobrecida de idéias – e aqui, vale lembrar, falo do remake propriamente dito bem como do “rehash” de idéias (dia desses vi trailer de um tal “Sorority Row“, de trama e visual idênticos aos do já péssimo “I Know What You Did Last Summer” – a ponto de achar que tratava-se de uma sequência).

Não que a idéia de releitura me desagrade – gosto das possibilidades de enxergar uma obra (não só de cinema) pelo olhar de outro artista, mas no caso em pauta trata-se mais de um atalho para preencher uma lacuna comercial do que de uma opção estética. Um transplante da medula óssea do original para um corpo artificial, produzido na esteira (com o “plus” de que, além de filmes antigos, vemos a popularização desse procedimento com filmes “estrangeiros” – leia-se “de língua não-americana”), um genérico cinematográfico – bem como este remake de “The Crazies“.

Preciso dizer, antes de mais nada, que não tenho certeza se gosto ou não do original de George Romero (talvez o lançamento do mesmo em blu-ray seja uma boa ocasião para a prova dos nove). Não tenho dúvidas, porém, que trata-se de um filme sui generis, talvez o mais iconoclasta de sua carreira, onde o baixo orçamento é propositalmente evidenciado por um visual supostamente “grandioso” e convenções cinematográficas são jogadas às favas (descontinuidade, edição anárquica), numa versão caótica do anti-cinema praticado por Ozu – e que, nesse caso, bem ou mal dialogava com a situação retratada no filme : “avião contendo arma biológica, projetada para desestabilizar uma população deixando todos loucos, cai em pequena cidade, contaminando vários e ensejando uma operação militar para lacrar a região”.

Corte de 1973 para 2010. Breck Eisner (diretor até então desconhecido por aqui), sob a premissa acima, constrói um até competente Thriller de horror, mas que abre totalmente mão dos ingredientes que compõem o filme original : não que eu esperasse algum tipo de radicalismo estético, mas a inclinação paranoica (sob vulto da guerra fria e cinzas do Vietnã) pelo foco dividido entre o grupo de fugitivos locais (que apesar de não infectados, não confiavam no exército), os infectados que iam perdendo-se pela loucura e o próprio exército (preocupado em erradicar a contaminação e manter a situação em sigilo – sempre com a opção da “bomba” assombrando) deu lugar a uma jornada de fuga de mocinhos da “ameaça” do exército e dos infectados – que aqui estão bem mais próximos de zumbis psicopatas do que dos “loucos” do original. Eisner fez de um dos filmes “não-zumbis” de Romero (mestre e criador do gênero) um genérico zumbi-apocalíptico, destes que andam sendo lançados a varejo atualmente. Bem filmado, editado e fotografado e com algumas boas sequências (destaque para as da lavanderia e da enfermaria), mas sem alma, tal qual um zumbi. E o mais preocupante é que Eisner já está escalado para mais dois remakes : “Creature From the Black Lagoon“(2011) e “Flash Gordon” (2012). Pelo visto, a tendência é piorar.

I noticed a softening in American cinema over the last twenty years, and i think it’s a direct influence of TV. I would even say that if you want to make movies today, you’d be better off studying television than film because that’s the market. Television has diminished the audience’s attention span.

Oliver Stone, diretor

…what i call “new brutalism” in cinema… is a form of naiveté, because it’s made by people who i think don’t really have a grasp of cinema’s history. It’s the MTV kind of editing, where the main idea is that the more disorienting it is, the more exciting. And you see it creeping into mainstream cinema more and more. You look at something like ‘Armageddon’ and you see all the things that would have been forbidden in classical cinema, like crossing the line, camera jumping from side to side. It is a way to artificially generate excitement, but it doesn’t really have any basis to it. And i find it kind of sad, beacuse it’s like an old man trying to dress like a teenager.

John Boorman, diretor

Now nobody trusts the actor’s performance. If an actor has a scene where they are sitting in the distance, everybody says, “What are you shooting ? It has to be close-up !” This is ridiculous. You have the position of the hand, the whole body – this is the feeling of a movie. I hate movies where everybody has big close-ups all the time… this is television. I have talking heads on my television set in my home all the time.

Miroslav Ondricek, editor

Símbolo maior da problemática levantada pelos amigos aí de cima, Paul Greengrass levou o conceito de “edição intensificada” à estratosfera : os planos de “Bourne Ultimatum“, por exemplo, têm uma duração média de menos de 2 segundos. Isso quer dizer que, num período de aproximadamente duas horas, somos bombardeados por uma quantidade tão absurda de tomadas que dificilmente (a) alguma vai ficar na lembrança (b) algum registro de mise en scene (atuação, cenário, enquadramento) será notado (c) alguém conseguirá manter constantemente a atenção. Em outras palavras, um meio perfeito pra mascarar um trabalho ruim – mas vamos por partes.

(c) Ritmo. Além da questão da fadiga visual (que invariavelmente resulta em perda de atenção), o uso contínuo de planos curtíssimos acaba com a fluidez de um filme, não havendo uma relação de tensão e relaxamento entre cenas de diferentes intensidades – podendo uma cena simples de diálogo ter tantos cortes quanto a de uma perseguição (o que acaba por diminuir o impacto desta, deixando a primeira por sua vez com uma ênfase exagerada). Não se trata aqui de uma cruzada contra o plano rápido, mas sim contra o uso indiscriminado do mesmo, que também acaba por passar a impressão de cenas construídas de forma deliberada, sem a devida pulsação – como uma orquestra tocando fora do ritmo. Mestres como Hitchcock e Ozu tinham plena noção do poder do ritmo na montagem, chegando ao ponto de contar os quadros de um plano na mesa de corte e montar sequências onde as cenas apresentavam progressão aritmética no número de frames (primeiro plano com 32 frames, segundo com 28, terceiro com 24 etc). Reza a lenda que Ozu inclusive desenvolveu um relógio com contador de frames e metros de filme usados, para ter maior controle na arquitetagem de suas cenas – controle esse que, ao que parece, vai caindo cada vez mais em desuso. Godard, sempre ele, certa vez falou : “The only great problem of cinema seems to be more and more, with each film, when and why to start a shot and when and why to end it“. Os diretores de hoje parecem não mais preocupar-se com isso, o que nos leva até

(b) Planejamento de cenas. Pra que preocupar-se em encontrar o melhor enquadramento, o melhor posicionamento de atores, pensar na movimentação, na composição da cena, quando ela na verdade durará segundos (muitas vezes, uma fração de segundos apenas) ? Gente como Max Ophüls preparava suas cenas em complicados esquemas, com elementos milimetricamente posicionados, movimento rigoroso de câmera e atores, etc., resultando em trabalhos que cada plano tinha uma razão de ser. Hoje, temos cenas truncadas, cada vez menos atuação (pelos planos “tiro rápido”, normalmente em close – outro recurso cada vez mais banalizado), fim dos enquadramentos por via das câmeras tremidas, continuidade prejudicada pelo mesmo motivo (“corta com a câmera tremendo de um lado para outra tremendo do lado oposto”)… uma a uma, as regras que construíram o que conhecemos por cinema “clássico” vão sendo derrubadas em prol da linguagem televisiva, resultando então em

(a) filmes cada vez mais descartáveis.

Antes que alguém me jogue na cara, faço aqui uma mea culpa e digo que sim, até consigo me divertir com os filmes da trilogia Bourne por exemplo, mas não dá pra ficar alheio às inluências negativas que essa patente vem trazendo ao cinema comercial mundial – chego aqui ao motivo que resolvi escrever o texto : “Fire of Conscience“, filme dirigido por Dante Lam.

Hong Kong sempre teve grande tradição em filmes de ação : desde os mais antigos “swordplays” até os policiais das últimas décadas, as produções locais apresentaram impressionante rigor estético, sendo constante objeto de análise de diretores e estudiosos de outros países. Foi com surpresa e pesar então que constatei que o produto “tipo exportação” foi substituído pelo genoma Greengrassiano, trazendo ao filme todos os males que já citei anteriormente.

É claro que, fazendo filmes há mais de uma década, Lam guarda um pouco da tradição local, o que confere ao filme um visual ainda estilizado, mesmo frente às unsteadycams e cortes frenéticos que parecem puxar pra baixo um trabalho que tinha condições de se sair bem melhor. O plot, apesar de convencional, funciona : o velho confronto “bom policial bagunçado por perdas x mau policial ligado à máfia local”, com diversas complicações que formam uma base sólida pra várias cenas de porradaria, tiros e perseguições. Entra aqui mais uma irregularidade característica da “safra Bourne” : o total senso de desorientação causado pelos cortes rápidos, ainda mais evidentes nas perseguições. Percebe-se uma enorme dificuldade em estabelecer um espaço, em fazer o espectador se encontrar através dos planos apresentados, o que nos leva a uma condição de nunca saber direito o que está acontecendo numa sequência mais movimentada. Nos filmes de Howard Hawks, porém, mesmo cenas curtas e movimentadas sempre tiveram um forte senso de direção (nunca me “perdi” num filme deste, independente da duração dos planos), o que me leva a crer então que não se trata aqui da duração da cena, mas sim da inabilidade do diretor em lidar com a composição das mesmas.

Ainda que acima da média dos filmes de ação contemporâneos (principalmente os americanos), fica a impressão de que, nas mãos do conterrâneo Johnnie To, “Fire of Conscience” teria rendido bem mais.

Após o subproduto asiático, acabei passando pela última produção da “matriz” : “Green Zone” é uma espécie de ligação de pontos dos docudramas do início da carreira de Paul Greengrass (além de “United 93“, talvez meu filme favorito do diretor) com o universo ficcional da franquia “Bourne“. A balela da invasão Norte-Americana ao Iraque para encontrar Armas de Destruição em Massa nos é passada pelos olhos de um oficial das forças armadas que, cansado de ser enviado para locais onde nada encontra, envolve-se com um membro da alta inteligência da CIA e uma repórter e acaba descobrindo a farsa – aqui, entregue em formato de teoria conspiratória nada convincente. Bollocks, ninguém vê um filme de Greengrass esperando uma trama muito apurada mesmo, passemos então ao que interessa : sim, estão lá todas as falhas que se pode esperar do sujeito, mas o fato é que ele ainda consegue entregar seus filmes de uma forma que dá até pra considerar como “própria”. Tremelique de câmera, montagem “piscou-perdeu”, desorientação espacial, ausência de composição (um frame orientado por linhas como o da foto acima é coisa rara de se ver), mas com um grau de urgência/crueza que ainda garantem-no um passo a frente de seus contemporâneos : os anos de trabalho em TV (anteriormente ao cinema) parecem ao mesmo tempo uma maldição e uma benção na carreira de Greengrass, e assim como seus antecessores, “Green Zone” pode até ser considerado um bom filme. Bom, porém descartável, assim como um programa de TV.

A Mojo de junho, destacando matérias com Bob Dylan circa “Self Portrait”, Don McLean, retorno do Pavement, Screaming Lord Sutch e entrevista com Lee Perry, aproveita o clima da excelente matéria de capa – bastidores das gravações de “Back in Black”, o seminal álbum do AC/DC – para montar a compilação “Highway to Hell : a Compendium of the Devil’s Best Tunes”, que disponibilizo aqui para download (mp3 em 256 kbps).

1. James Brown – Hell
2. John Martyn – I’d Rather be the Devil
3. Curtis Mayfield – (Don’t Worry) If There’s Hell Below We’re All Going to Go
4. Lavice and Company – Thoughs Were the Days
5. The Gun Club – A Devil in the Woods
6. Dawn Kinnard – Devil’s Flame
7. Nick Cave and the Bad Seeds – Up Jumped the Devil
8. Soulsavers (feat. Mark Lanegan) – You Will Miss Me When I Burn
9. Hellsongs – Seasons in the Abyss
10. Deerhof – Satan
11. Comets on Fire – Lucifer’s Memory
12. The Soul Messengers & The Spirit of Israel – Burn Devil Burn
13. Black Mountain – Evil Ways
14. Roky Erickson & The Explosives – Don’t Shake Me Lucifer
15. Otis Spann – I’d Rather Be The Devil
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Tenha fé !